Ñemboja digital Módulo 3 - Semana 16

1. EL ARTE DIGITAL: INNOVACIÓN Y CREATIVIDAD EN LA ERA

Hola y bienvenidos a esta última semana de trabajo juntos!

1EL ARTE DIGITAL: INNOVACIÓN Y CREATIVIDAD EN LA ERA

El arte digital es una disciplina que ha revolucionado las artes visuales, utilizando la tecnología para crear obras que trascienden los límites de los medios tradicionales. Esta forma de expresión artística emplea herramientas y programas digitales, tales como software de edición de imágenes, gráficos 3D, animación y diseño vectorial, para producir imágenes, videos, animaciones, esculturas virtuales y más.

A diferencia de las formas de arte convencionales, como la pintura o la escultura, el arte digital no se limita a un medio físico específico. Las obras pueden existir exclusivamente en un entorno digital o ser impresas en diversos soportes físicos, exhibiéndose tanto en medios digitales como en galerías y museos tradicionales. Esta versatilidad ha permitido que el arte digital se convierta en una poderosa herramienta de comunicación visual, utilizada en campos como la publicidad, el diseño gráfico, el cine, la animación y la producción de videojuegos. Además, la capacidad de distribuir y compartir obras digitales a través de plataformas en línea ha democratizado el acceso al arte, permitiendo a los artistas llegar a audiencias globales de manera inmediata.

El auge del arte digital se ha visto impulsado por el avance tecnológico y la accesibilidad a herramientas creativas cada vez más sofisticadas. Esto ha permitido a los artistas explorar nuevas formas de expresión, experimentar con técnicas innovadoras y crear obras que interactúan de manera dinámica con el espectador. Ejemplos de ello son las instalaciones de arte interactivo, las experiencias de realidad virtual y las animaciones generadas por inteligencia artificial, que difuminan las líneas entre el arte y la tecnología.

En cuanto a la formación académica, instituciones ofrecen programas especializados, como el Grado en Diseño Gráfico online, que preparan a los estudiantes para desarrollarse en este sector en constante evolución. Estos programas brindan una sólida base teórica y práctica en diseño digital, permitiendo a los futuros profesionales adaptarse a las tendencias emergentes y enfrentar los desafíos creativos del entorno digital contemporáneo.

1.1.  Características del arte digital

Entre las principales características del arte digital encontramos su capacidad para ser editado y manipulado de forma ilimitada. Los artistas digitales pueden crear y transformar cada una de sus obras de arte sin limitación alguna, no como en los medios tradicionales.

Otra de las peculiaridades del arte digital es la integración de diferentes formas de arte, como animación, fotografía, diseño gráfico y música en una sola obra. Dando lugar a gran variedad de géneros de arte digital como el arte generativo, el arte interactivo o la animación 3D.

La interacción con las obras de arte se ha transformado por completo tanto para los artistas como para los espectadores. Las plataformas digitales como Instagram, Behance o TikTok permiten a cada autor compartir sus obras de forma instantánea y llegar a una audiencia mucho más amplia. Asimismo, las experiencias de realidad virtual han permitido a sus usuarios disfrutar de una experiencia inmersiva y personalizada.

El arte digital abarca una amplia gama de estilos y técnicas, cada uno con sus propias características y aplicaciones. A continuación, exploramos algunos de los tipos más destacados de arte digital:

1.2. Tipos de arte digital

Modelado 3D:

El modelado 3D es una técnica que utiliza software especializado para crear representaciones tridimensionales de objetos, personajes, y entornos. Los artistas emplean texturas, luces y sombras para dotar a sus creaciones de realismo o de un estilo particular. El modelado 3D se utiliza ampliamente en la industria del cine, la publicidad, la arquitectura y los videojuegos. Esta técnica permite a los artistas experimentar con perspectivas y dinámicas imposibles en el mundo físico, ofreciendo una libertad creativa sin precedentes.

Arte Pixelado o Pixel Art:

El arte pixelado, o pixel art, se caracteriza por la creación de imágenes a nivel de píxel, utilizando técnicas de rasterización. Este estilo tiene un encanto retro, evocando los gráficos de los videojuegos de las décadas de 1980 y 1990. Los artistas de pixel art deben tener un control meticuloso de cada píxel, ya que la imagen se compone de una cuadrícula de pequeñas unidades de color. Este tipo de arte ha resurgido en la cultura popular, especialmente en la creación de videojuegos indie y en obras que buscan un estilo nostálgico.

Arte Tipográfico:

El arte tipográfico se basa en el uso creativo de letras, símbolos y números para formar composiciones visuales. Los artistas juegan con las formas tipográficas para comunicar mensajes, expresar emociones o construir imágenes abstractas. Este tipo de arte es común en el diseño gráfico y se utiliza tanto en medios impresos como digitales. La tipografía se convierte así en algo más que un medio para transmitir texto; se transforma en una herramienta visual con poder expresivo propio.

Arte Generativo:

El arte generativo se refiere a obras creadas mediante algoritmos informáticos, donde el artista establece parámetros que el software utiliza para generar la obra. Este tipo de arte explora la relación entre creatividad y tecnología, permitiendo la producción de obras que pueden ser únicas y en constante evolución. El arte generativo se encuentra en la intersección entre el arte, la programación y las matemáticas, y a menudo se utiliza en instalaciones interactivas, música visual y diseño gráfico.

Arte Vectorial:

El arte vectorial se basa en la creación de imágenes a partir de puntos y líneas, utilizando gráficos vectoriales que permiten la manipulación de formas sin pérdida de calidad. Esto significa que una obra de arte vectorial puede escalarse a cualquier tamaño sin pixelarse, lo que la hace ideal para logotipos, ilustraciones y gráficos publicitarios. El arte vectorial es fundamental en el diseño gráfico moderno, donde la precisión y la escalabilidad son cruciales.

Net Art:

El Net Art, o arte en red, se refiere a obras creadas específicamente para ser experimentadas en Internet. Estas obras pueden explorar temas relacionados con la cultura digital, la conectividad y la interacción en línea. El Net Art desafía las nociones tradicionales de propiedad y distribución del arte, ya que a menudo es accesible de forma gratuita y puede ser modificada por los usuarios. Este tipo de arte abarca desde páginas web interactivas hasta proyectos colaborativos y experiencias inmersivas en línea.

Estos son solo algunos ejemplos de los numerosos tipos de arte digital, cada uno con su enfoque único y aplicaciones diversas. La continua evolución de la tecnología sigue ampliando las posibilidades creativas dentro del arte digital, ofreciendo a los artistas nuevas herramientas y medios para explorar

1.3. Artistas reconocidos de arte digital y herramientas

Artistas reconocidos de arte digital

Son muchos los artistas digitales que se consideran relevantes en la historia de la cultura digital del siglo XXI, y que son conocidos mundialmente.

• Manfred Mohr: nacido en Alemania en el 1938. Su primera gran exposición tuvo lugar en el museo d´Art Moderne de la Ville de París. Sus trabajos se centran en la estructura de cubos e hipercubos y las relaciones entre planos y líneas de los mismos.

• George Nees: Nacido en Alemania en 1926. Se considera de los primeros artistas del arte y teoría digital. Su primera exposición fue de gráficos en el 1956 junto a Michael Noll.

• Yves Netzhammer: nacido en Suiza en 1970. Arquitecto y artista digital centrado en la creación de animaciones 3D. En sus obras mezcla elementos gráficos con efectos musicales.

• Myrn Krueger: nacido en Indiana en 1942. Se trata del primer artista que utilizó la interactividad con fines artísticos generando interacción entre los espectadores y la obra.

Son muchas las carreras de diseño que te pueden formar en este sector de cara al mundo laboral como el Grado en Diseño, el Grado en Diseño Gráfico, el Grado en Diseño Gráfico Digital en Argentina  o el Grado en Diseño Gráfico y Tecnologías Creativas y algunas herramientas que se utilizan son:

1. Twine: herramienta digital gratuita de código abierto muy intuitiva. Con ella se pueden crear relatos interactivos y no lineales. Este tipo de narrativa está basada en la toma de decisiones, por medio de un sistema de enlaces que llevan a diferentes partes de la historia.

2.  : programa multiplataforma gratuito y de código abierto para el modelado, la iluminación, animación, la pintura digital y para la creación de gráficos tridimensionales. Además permite realizar el seguimiento de movimiento y edición de video.

3. Audacity: aplicación multiplataforma de uso libre para grabar, editar y producir música, poesía oral y arte sonoro. Incluye la opción de importar audios, exportarlos o convertirlos, ya que admite los principales formatos.

4. Pencil2D Animation: herramienta multiplataforma, de código abierto y de uso gratuito para realizar diseños y animaciones minimalistas en 2D dibujadas a mano.

5. Synfig Studio: software de animación 2D de código abierto y multiplataforma. Está diseñado para crear animaciones con calidad cinematográfica utilizando ilustraciones vectoriales y de mapas de bits. Esta app elimina la necesidad de crear animaciones cuadro por cuadro, lo que hace más sencilla la producción de las animaciones.

6. OpenShot: editor de video multipltaforma de código abierto y gratuito que permite crear y editar tus propios videos tanto en HD, como en 1080p o 4K. Además se pueden realizar clips a partir de uno o varios videos, con imágenes, sonidos y diferentes efectos. Ideal para crear cortos y videoarte.

Importante: los sitios de estas aplicaciones están en inglés, pero podés traducir los textos desde tu navegador: hacé clic derecho y seleccioná la opción Traducir al español.

2. EL ARTE Y LA EXPERIMENTACIÓN DIGITAL.

Línea de trabajo dedicada a la búsqueda de nuevas posibilidades de expresión y exploración con las tecnologías digitales para su aplicación a la docencia, el aprendizaje y la investigación.

Queremos mostrar a la comunidad de este módulo 3 los nuevos entornos de desarrollo tecnológico de código abierto y de fabricación digital.

Experimentación  con:

Arduino

La experimentación con Arduino implica el uso de una placa electrónica de código abierto que permite desarrollar proyectos de electrónica de manera accesible y flexible. Arduino es muy valorado en diversas disciplinas debido a su versatilidad y la facilidad con la que se puede programar y conectar a sensores, actuadores, y otros dispositivos.

Usos de Arduino:

• Arte: En instalaciones interactivas, donde las luces, sonidos o movimientos responden a estímulos del entorno.

• Docencia: Para enseñar conceptos de programación, robótica y electrónica de forma práctica.

• Investigación: En prototipos de instrumentos científicos o experimentos que requieren automatización y recolección de datos.

Impresión 3D

La impresión 3D es un proceso de fabricación digital que crea objetos tridimensionales a partir de un modelo digital. Utilizando diferentes materiales como plásticos, resinas o metales, las impresoras 3D construyen objetos capa por capa, lo que permite una gran precisión y personalización en los diseños.

Aplicaciones de la Impresión 3D:

• Prototipos Rápidos: Ideal para el desarrollo de prototipos en industrias como la ingeniería, el diseño de productos y la arquitectura.

• Educación: Utilizada para enseñar conceptos de diseño, ingeniería y ciencia de una manera práctica y tangible.

• Medicina: En la creación de prótesis personalizadas, modelos anatómicos y herramientas quirúrgicas.

• Arte y Moda: Para diseñar objetos únicos, desde esculturas hasta accesorios de moda.

La impresión 3D es especialmente valiosa porque permite transformar ideas digitales en objetos físicos, facilitando la innovación y la experimentación en diversas áreas.

La Realidad Virtual (RV) :es una tecnología que utiliza entornos simulados para ofrecer experiencias inmersivas a los usuarios. A través de dispositivos como cascos o gafas VR, guantes y controladores, se logra una sensación de presencia en un entorno tridimensional que puede ser completamente ficticio o una recreación del mundo real.

Características principales de la Realidad Virtual:

1. Inmersión: La sensación de estar dentro de un entorno diferente al real.

2. Interactividad: Los usuarios pueden interactuar con el entorno simulado y manipular objetos.

3. Simulación de escenarios: Desde videojuegos hasta simuladores de vuelo o entrenamientos médicos, la RV se utiliza en una amplia gama de aplicaciones.

Aplicaciones de la Realidad Virtual:

• Entretenimiento: Videojuegos, películas y experiencias interactivas.

• Educación y capacitación: Simulaciones de situaciones para la enseñanza en medicina, ingeniería, o manejo de crisis.

• Medicina: Tratamiento de fobias, rehabilitación y simulación de cirugías.

• Arquitectura y diseño: Visualización de proyectos en un entorno tridimensional antes de su construcción.

Videojuegos

Las aplicaciones en el ámbito del arte digital son herramientas que permiten a los artistas crear, modificar y compartir obras de arte en formatos digitales. Estas aplicaciones ofrecen una amplia gama de funciones que facilitan la creación de imágenes, animaciones, modelados 3D, efectos visuales y más. Aquí te detallo la definición y el uso de aplicaciones en el arte digital:

Definición

Las aplicaciones de arte digital son programas de software diseñados para la creación y edición de imágenes, gráficos, videos, y otros medios visuales en formato digital. Estas aplicaciones ofrecen herramientas como pinceles virtuales, capas, filtros, y efectos especiales que permiten a los artistas experimentar y producir obras de arte con gran precisión y detalle.

Uso en el Arte Digital

1. Diseño Gráfico: Aplicaciones como Adobe Photoshop e Illustrator son ampliamente utilizadas para la creación de logotipos, carteles, ilustraciones y otros elementos gráficos. Permiten el manejo de colores, formas y tipografías con gran control.

2. Ilustración Digital: Herramientas como Procreate, Krita, y Clip Studio Paint están orientadas a ilustradores. Ofrecen una variedad de pinceles y texturas que imitan técnicas tradicionales como la acuarela, óleo, o tinta.

3. Modelado 3D: Aplicaciones como Blender, Autodesk Maya y ZBrush son esenciales para crear esculturas, personajes y escenarios en tres dimensiones. Estas herramientas son ampliamente utilizadas en animación, videojuegos y cine.

4. Animación: Adobe After Effects, Toon Boom Harmony y Blender permiten la creación de animaciones tanto en 2D como en 3D. Los artistas pueden animar personajes, objetos y escenas con movimientos precisos.

5. Edición de Video: Aplicaciones como Adobe Premiere Pro y DaVinci Resolve se utilizan para la edición y montaje de videos. Estas herramientas permiten ajustar el color, añadir efectos visuales y editar secuencias con precisión.

6. Arte Generativo: Aplicaciones como Processing o TouchDesigner permiten la creación de arte a través de algoritmos y programación. Este tipo de arte se genera automáticamente o de manera interactiva mediante código.

7. Arte Interactivo: Herramientas como Unity y Unreal Engine, utilizadas comúnmente en desarrollo de videojuegos, también permiten la creación de instalaciones de arte interactivo donde los espectadores pueden influir en la obra en tiempo real.

Estas aplicaciones no solo amplían las posibilidades creativas de los artistas, sino que también permiten compartir y distribuir obras de manera global, conectando a creadores y audiencias de todo el mundo.

3. ARTE CONTEMPORÁNEO.

¿Qué es el arte contemporáneo?

El arte contemporáneo es el arte producido desde la segunda mitad del siglo XX hasta hoy. Se trata de una categoría amplia y compleja que abarca las manifestaciones y los estilos artísticos más recientes, propios de la sociedad industrial y postindustrial.

La delimitación histórica de este movimiento varía dependiendo de cada historiador, al punto que para algunos no existe una distinción real entre arte moderno y arte contemporáneo.

Esta dificultad para definir el arte contemporáneo tiene que ver con la ambigüedad del término “contemporáneo”, que se refiere a un presente muy difícil de fijar en la historia. También se debe al hecho de que en el campo de las artes se utiliza una periodización que no siempre coincide con los tiempos históricos.

El arte contemporáneo ha sido una vía de expresión en la que todo parece estar permitido, lo cual ha movilizado y estimulado extensas reflexiones y una constante indagación sobre la pregunta “¿Qué es el arte?”

Periodización del arte contemporáneo

Generalmente, el arte moderno suele ubicarse a mediados del siglo XIX y prolongarse hasta la primera mitad del siglo XX, cuando comenzaría el arte contemporáneo. Pero no hay consenso al respecto, pues el término “arte contemporáneo” tiene que ver con clasificaciones más estéticas que cronológicas (es decir, se refiere más a una actitud ante el arte que a un momento determinado en el tiempo).

El arte contemporáneo, entonces, se suele definir a partir de su manera de entender el arte. Sin embargo, muchos de sus postulados (como la ruptura con la tradición) habían comenzado a vislumbrarse ya en las posturas del arte moderno. Algunos autores prefieren utilizar vocablos como “postmoderno” para referirse a lo estrictamente contemporáneo.

La velocidad de los cambios del último siglo respecto a las etapas históricas anteriores ha generado preguntas que el arte ha querido abordar desde muy diversos ángulos y con herramientas de muchas otras disciplinas humanísticas como la filosofía, la historia o la educación, o científicas como la geometría, la biología o la cibernética.

La transgresión de límites, la búsqueda de nuevos modos de pensar y la necesidad de experimentar han hecho del arte contemporáneo una expresión extraordinariamente diversa que ha producido interesantes ideas, propuestas osadas, nuevos conocimientos y formas más libres de ver el mundo.

Sin embargo, algunos círculos del arte contemporáneo han sido acusados de sobreinterpretar (es decir, atribuir más significados de los que tienen) ciertas obras para posicionarlas con fines mercantiles y elitistas.

3.1. Características del arte contemporáneo

Algunas características del arte contemporáneo son:

• Abarca las tendencias artísticas desde mediados del siglo XX hasta hoy, según la periodización más extendida. Otros autores lo consideran desde el impresionismo (aproximadamente 1860) y para algunos lo contemporáneo es solo aplicable a la producción posterior a 1960. Los criterios de periodización dependen de lo que se considere una real “ruptura”.
• La experimentación es un valor en sí mismo en cuanto a materiales, técnicas e ideas, lo cual incluye desde arte digital y nuevas tecnologías, hasta la recuperación de prácticas ancestrales.
• Se resignifican muchos de los elementos centrales de la tradición artística, en ocasiones, de manera provocadora o irónica.
• Es frecuente la reflexión sobre la naturaleza del arte y del artista, así como de los espacios de legitimación (museos, instituciones, galerías, etc.).
• Se cruzan las fronteras entre géneros, disciplinas, categorías y estilos, apuntando a un arte híbrido, mestizo e indeterminado, o desconcertante.
• La teoría y la crítica pasan a un primer plano. La apreciación de ciertas obras de arte contemporáneo a menudo requiere de conocimiento específico. Es frecuente que las obras deban ser presentadas mediante textos especializados.

3.2. Antecedentes del arte contemporáneo

El arte moderno representó un primer quiebre importante con una tradición artística de varios siglos. Esa nueva percepción abrió paso a las manifestaciones de postguerra que hoy conocemos como arte contemporáneo.

Al impresionismo, que desafió la tradición académica, le siguieron varios movimientos con propuestas disruptivas que se alejaban de la tradición para dar paso a una actitud más experimental y creativa. Entre los más destacados se encuentran el expresionismo con su deformación de los sujetos, el fauvismo con su paleta de colores provocadora e irreal, el cubismo y su perspectiva múltiple, el dadá con su actitud irreverente, el surrealismo con su alejamiento de la razón y el abstraccionismo y su rechazo de la figuración.

Mención aparte merece el readymade u objeto encontrado (objet trouvé) que no se trató de un movimiento, pero fue uno de los gestos más influyentes en el arte contemporáneo. Consiste en tomar un objeto común, producido en serie, y redefinir su sentido al presentarlo en un contexto artístico.

En 1913, Marcel Duchamp (1887-1968) montó una rueda de bicicleta sobre un taburete y presentó el resultado como una obra. Rueda de bicicleta (Roue de bicyclette) y la posterior Fuente (un urinario de cerámica reconocido como obra tras el veredicto de Duchamp en un concurso en 1917) se convirtieron en las piezas fundacionales de un nuevo modo de hacer y entender el arte, y así, en el antecedente más importante de lo que luego se conocería como “arte contemporáneo”

Tendencias del arte contemporáneo

Algunas de las manifestaciones más importantes del arte contemporáneo son el pop art, el arte cinético, el arte conceptual y el fluxus.

Pop art

El arte pop (en inglés pop art) se caracteriza por “elevar” al estatus de arte elementos de la cultura pop como cómics, productos seriales de consumo o anuncios publicitarios. Acudió a elementos de la cultura de masas, a los diseños repetidos de líneas bien definidas y a la utilización de elementos cotidianos o descartables, como la famosa Caja de Brillo (Brillo Box) del estadounidense Andy Warhol (1928-1987), quien fue su mayor exponente.

Fue un movimiento cercano a la publicidad y se considera celebratorio o crítico, propio del auge del capitalismo en Occidente durante la Guerra Fría. Otros artistas importantes del pop art fueron los estadounidenses Robert Rauschenberg (1925-2008) y Roy Lichtenstein (1923-1997).

Arte cinético

El arte cinético es una expresión que tuvo su auge entre las décadas de 1960 y 1970, en Francia y Estados Unidos. Emplea el movimiento en obras como pinturas, esculturas y monumentos.

Este movimiento puede ser físico (mecánico, eléctrico, magnético, eólico, etc.), producido por efectos ópticos, y suele requerir la participación activa del espectador, a través de acciones como penetrar en la obra.

Entre los principales representantes de esta corriente están el argentino Julio Leparc (1928-) o los venezolanos Jesús Soto (1923-2005) y Carlos Cruz Diez (1923-2019).

Arte conceptual

El arte conceptual es una forma de arte que propone que la idea detrás de la obra es mucho más importante que su materialidad. Así, el arte pasa a ser la expresión de un concepto y se deshace de la necesidad de un soporte físico. Surgió a finales de la década de 1960 en Estados Unidos y el Reino Unido, pero ha tenido importantes representantes de otras latitudes.

Algunos conceptualistas importantes son los estadounidenses Joseph Kosuth (1941-) y Sol LeWitt (1928-2007), y la serbia Marina Abramovich (1946-).

Flexus

Fluxus fue un movimiento artístico multidisciplinario surgido en Europa entre 1960 y 1970 y liderado por el lituano-estadounidense George Maciunas (1931-1978). Se caracterizaba por el rechazo a las convenciones del medio artístico y por poner el acento en la experimentación, el arte colectivo, el cuestionamiento de la noción de autor individual y la inclusión activa del público en las obras.

El arte de fluxus ponía énfasis en la acción, la experiencia y la idea, y dio cabida a infinidad de manifestaciones, desde performances y formas efímeras, hasta instalaciones, esculturas y producciones audiovisuales. Entre sus principales exponentes están la japonesa Yoko Ono (1933-), el coreano Nam June Paik (1932-2006) y el alemán Joseph Beuys (1921-1986).

3.3. ¿Arte moderno o arte contemporáneo?

Es indudable que el arte moderno representó la primera ruptura significativa con la tradición artística clásica. Esa nueva percepción abrió paso, durante la postguerra, a manifestaciones más libres y profundas que hoy se categorizan como arte contemporáneo.

Fuente: https://concepto.de/arte-contemporaneo/#ixzz8jB837F2W

La periodización del arte contemporáneo es compleja por dos motivos:

• Al estar referido al presente (a nuestra época), lo contemporáneo desplaza su eje a medida que avanza el tiempo. Así, el arte que se hacía llamar “contemporáneo” en 1900, en la actualidad se considera arte moderno. 

• Lo que se entiende por arte contemporáneo no corresponde tanto a un tiempo específico como a una forma de ver el arte, caracterizada por la reflexión crítica, la experimentación y la exploración de nuevas formas de expresión. Esto significa que puede haber arte producido en el presente que no se considere “arte contemporáneo”.

Aunque hay diferencias de criterio sobre el “verdadero” momento de quiebre de los cánones tradicionales del arte, y ciertos autores ubican el comienzo del arte contemporáneo desde finales del siglo XIX, la mayoría de los estudiosos actuales coinciden en que el arte contemporáneo comienza a partir de 1945, tras el final de la Segunda Guerra Mundial. Esto ubica los movimientos previos a esa fecha dentro de la categoría de arte moderno.

3.4. LO EXPERIENCIAL Y EFÍMERO.

El concepto de lo experiencial y efímero en el arte se refiere a obras o eventos artísticos que se centran en la experiencia del espectador y tienen una duración limitada en el tiempo. A continuación, te explico más sobre cada uno de estos aspectos:

Lo Experiencial en el Arte

El arte experiencial se enfoca en la participación activa del espectador. Este tipo de arte no se limita a la observación pasiva, sino que invita a las personas a involucrarse, interactuar y, en muchos casos, convertirse en parte de la obra. La experiencia personal y subjetiva del espectador es el elemento central, y puede variar según la percepción individual, el contexto o el momento.

Ejemplos:

• Instalaciones Interactivas: Obras que cambian en respuesta a la presencia o acciones del espectador, como las instalaciones de Yayoi Kusama o las obras de Olafur Eliasson.

• Performance Art: Un ejemplo clásico es la obra "The Artist is Present" de Marina Abramović, donde la interacción entre la artista y los visitantes del museo creaba una experiencia única para cada persona.

Lo Efímero en el Arte

El arte efímero se caracteriza por su transitoriedad. Estas obras existen por un tiempo limitado y, una vez que desaparecen, solo quedan en la memoria de quienes las vivieron o en registros fotográficos o de video. Este tipo de arte desafía la noción tradicional de la permanencia de las obras de arte, como una pintura o escultura que puede durar siglos.

Ejemplos:

• Land Art: Obras creadas en la naturaleza que son temporalmente modificadas o se deterioran con el tiempo, como las espirales de rocas de Robert Smithson en "Spiral Jetty".

• Street Art y Graffiti: Muchas de estas obras son efímeras debido a que pueden ser borradas, destruidas o modificadas rápidamente.

• Arte Performático: Performances que existen solo durante el tiempo que son ejecutadas, como las acciones de Christo y Jeanne-Claude, quienes envolvían grandes edificios o paisajes, creando obras que luego eran desmanteladas.

La Conexión entre lo Experiencial y lo Efímero

En muchos casos, lo experiencial y lo efímero se combinan en el arte, creando obras que solo pueden ser plenamente apreciadas en un momento específico. La fugacidad de la obra añade un valor especial a la experiencia, ya que lo que se vive es irrepetible.

Reflexión Final: El arte experiencial y efímero rompe con la idea de la obra de arte como un objeto físico que se puede poseer o conservar indefinidamente. En su lugar, se enfoca en el proceso, la vivencia y la interacción, valorando el momento presente como algo único e irrepetible. Este enfoque resalta la importancia de la participación y la memoria en la creación y apreciación del arte.

4. Video de clase

5. Actividades

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